L’ENERGIA GLOBALE DI DENNIS OPPENHEIM 
Sin dal suo primo apparire sulla scena dell’arte, Dennis Oppenheim s’impose come uno degli artisti maggiormente coinvolto nella “crisi” della cultura e, in particolare, nella situazione di incertezza e di perplessità che attraversava la poetica dei personaggi più impegnati e più sensibili alle istanze personali ed interiori, alla richiesta di cambiamento e di rinnovamento totale e radicale, cosicchè le personalità più geniali e creative diedero vita a correnti, tendenze e movimenti avanguardistici, innovativi e persino rivoluzionari. Con grande ardore e partecipazione essi, infatti, introdussero nel mondo delle arti visive nuovi principi, nuove tecniche mai sperimentate prima, nuovi materiali e nuovi linguaggi, e smontarono volontariamente o inconsapevolmente le classificazioni sistematiche, imposte e accettate come dogmi di un “pensiero dominante” e come “forme” di modelli garantiti dalla tradizione più retriva e dalla cultura accademico-formale, ancora contemplativa e non vissuta, sempre autoreferenziale e ancor più anestetizzata contro i “rimedi” e contro “traumi” provocati dagli attacchi alla ricerca dell’armonia e della bellezza.
Rispetto al contesto e alle problematiche politiche, economiche, sociali e religiose, il flusso dei fenomeni e degli eventi indirizzò l’arte contemporanea verso la frequentazione, la scoperta e la pratica di un nuovo modo di sentire il rapporto tra natura e uomo, tra prodotto e produzione, tra “vista”, quale “fnestra” o luogo d’osservazione, oppure “via” per le comunicazioni intergalattiche, ed anche “stazione” del “desiderio” reale, del “luogo non ancora raggiunto” e quindi dell’utopia. Ove forse Dennis Oppenheim giunse in volo su un elicottero per disegnare nel cielo, azzurro e sconfinato, bianche volute e partiture aeree, simbolicamente trascritte come estensione territoriale e dilatazione dell’energia del figlio e come concentrazione della materia, prima rappresa, e poi consolidata, attraverso esperienze primarie, negative o interdette, comunque implicate in un processo intenso e pervasivo che nega ogni facoltà di accesso e frequenza tra e con artisti di grande levatura e spessore tecnico-creativo, almentando lo svolgimento e l’impianto  del teatro “poverista”, che tanto piaceva a Bob Wilson e che ha continuato a dedicare il suo interesse e il suo talento drammatico, fortemente connesso con la natura, le inclinazioni alla pittura e alla scultura, per la incrollabile vocazione all’architettura, alla grafica e al design industriale, universalmente riconosciuto e apprezzato.
A questo punto del discorso sembra opportuno fare un riferimento che ricolleghi il diverso grado di poeticità e di complicità con tutte le situazione dinamiche e contraddittorie dei personaggi, degli ambienti e dei testi, tra i quali si leggono “Pretty ideas”, “Long Island new York”, “Death Holes. Two locations”, “Study for digestion”, “Star skid”, “Gallery Transplant”, “Annual rings”, “Polarities”, “Shadow Projections”, “Ground mutations”, “Land Slide”, “Directed seeding, cancelled out crop”, “Protection”, “Removal. New York stock exchange”, “Lead sink for Sebastian”.
Posto al centro di una crisi singolare per la sua vita e per i rapporti con la collettività, Dennis Oppenheim si spinse verso un processo intenso di introspezione per conseguire un’arte autoanalitica. La scelta si orientò, poi, per un’azione scenico-visiva sulla felicità. Le sue esperienze più coinvolgenti e più incisive lo vedono tra i più noti artisti dell’arte concettuale. Ne parlano in modo inequivocabile autori e saggisti come Ursula Mayer, Jah Burnhan e Rosemberg. Successivamente si susseguirono altre esperienze, quali i “segni” di delimitazione di vasti spazi e anche di tratti e sezioni ritagliati lungo una porzione d’autostrada. Ma queste presenze venivano indicate come sculture e come fatture indicanti un nuovo modo di creare le cose, con un passaggio interessante che andava dalla selezione alla creazione. In effetti questo processo di riduzione e di sottrazione comportava lo scavo di masse di terra e, quindi, si avvertiva la necessità di ricerca e di spazi posti in relazione di allocazione di oggetti esterni e già esistenti. Nella nuova dimensione l’arte minimale faceva sì che la gente guardasse le forme indicanti i segni di delimitazione che contornavano un’estensione, mentre la massa ne mostrava un’altra e tentavano così di ridefinire l’arte nel contesto della galleria.
Le forme relazionali ricostruivano nuovi luoghi e nuovi spazi che sembravano illimitati; la procedura sculturale avvertiva il bisogno di diverse descrizioni perché non era determinato in uno studio.
Nelle opere di grande impegno e di complesso impianto non emergeva più la rigidità classica dei volumi pluridimensionali, tutte le forme di energia e condizioni sempre presenti non risultavano mai discernibili; come sostanze dell’arte divennero anche visibili.
L’elemento fondamentale di tutti i lavori, a partire da ostacoli e ostruzioni stimolavano tutta l’energia dell’artista, che operava lo spostamento delle opposizioni e dell’ingombro, ovvero Dennis ricorreva all’uso dell’energia capace di correggere il materiale, facilitarne l’uso e agire come attrezzo indispensabile nel costituire una condizione al di fuori dell’artista che dirige l’opera verso se stesso.
Pochi anni dopo Oppenheim sentì che la sua scarica dipendeva dall’uso dei suoi familiari per mezzo dei quali allargava la dimensione temporale e induceva i figli a compiere un’attività pertinente e assecondata ad una cronologia diversa; pertanto opere come “Stretch” (1970), “Search for clues” (1975), “Whirpool” (1973), “Lecture” (1976), “Theme for a Major” e “Hit” (1975) riconducono alla poetica dell’energia che accompagna e genera, attraverso il movimento e il suono alla visione globale del mondo e delle allusioni possibili e probabili in quanto prolungamento di problemi dell’integrazione e dei difficili rapporti intersociali. Così anche le nuove trame lo vedono impegnato nel “Teatro del mondo”. Infine il visitatore partecipa ad un modo diretto di essere protagonista e spettatore di attività praticata in tempo reale nello spazio delle spettacolarità.

A sua volta il gallerista napoletano Andrea Della Rossa, col gusto e la sensibilità dell’artista, ha presentato un’esposizione dal taglio intelligente e dal progetto sostenibili, visibile fino al 22 dicembre presso Area 24 Artgallery in Via Ferrara 4. 

Arcangelo Izzo
Dal quotidiano “Roma” del 6 novembre 2004